Exposition « Casteluccio Loïc, peintre voyageur »
peintures, fusains, sculptures, photographies
12 juillet – 18 novembre 2023
Le CAC Raymond Farbos accueille l’artiste Loïc Casteluccio pour sa première exposition en métropole, après une décennie passée en Nouvelle-Calédonie et en Polynésie française.
L’ambiance est chaude et luxuriante, à l’image d’une végétation tropicale.
Les formats sont grands, les toiles aux couleurs vives suscitent la curiosité du spectateur. Les dix années de travail présentées permettent d’appréhender la manière dont le peintre est passé du fusain à la peinture, du noir et blanc à la couleur. Les techniques varient en fonction des périodes mais ce dont l’artiste parle volontiers, ce n’est pas de technique, mais de la vie. Chaque toile révèle en effet une amitié ou un amour du peintre. Chaque oeuvre témoigne d’une quête de liberté… Et dans ce domaine, l’investissement est démesuré, car si vivre sur une île est déjà une expérience, y peindre de grands formats relève souvent de l’aventure. Ainsi, lorsque vous lui demandez pourquoi fait-il cela, l’artiste répond : « Afin de faire perdurer la tradition des peintres voyageurs. »
Dans une volonté de transmission, Loïc Casteluccio publie régulièrement des livres dans lesquels il décrit son quotidien, ses rencontres, ses réussites, ses échecs. Les reproductions d’oeuvres accompagnent également la description du contexte dans lequel elles ont été produites. Trois ouvrages sont à découvrir durant cette exposition aux formes généreuses : Premier cycle (2017), Second cycle (2021), Troisième cycle (2022).
Quelques repères chronologiques
2003-2013 : Il étudie et voyage en Europe. Visite de nombreux musées d’art contemporain. Fort intérêt pour la culture américaine (musique, littérature et peinture). Vit et peint durant une année en Pologne.
2010 : Diplômé de l’École nationale d’architecture de Nantes avec les félicitations du jury ; mémoire de master : L’art contemporain et les enjeux territoriaux. Assistant de l’artiste plasticien Didier Courbot (Paris).
2013-2020 : Nouvelle-Calédonie
2013-2016 (Premier cycle) : « Déterritorialisation » (cf. Gilles Deleuze et Félix Guattari) et début d’une production plastique pour se « reterritorialiser ». Ce cycle traite d’une recherche d’identité et de territoire. On repère une codification formelle du langage plastique, prémices d’un vocabulaire artistique.
2017-2020 (Second cycle) : Commence à peindre. Passe du noir à la couleur. Première toile : 500 francs CFP. Suivent de grands formats colorés. Il quitte l’île avant le dernier référendum sur l’indépendance.
2020-2022 : Polynésie française (Troisième cycle)
Vit dans des pensions pour surfeurs. Peinture du quotidien et de ce qu’il aime regarder : les planches de surf, les courbes féminines, la nature. Le style et le discours artistique prennent de l'épaisseur. Il souhaite ramener du sens et de la valeur dans la peinture contemporaine. Affirmation de son statut de peintre voyageur.
À partir de 2022 : France métropolitaine (Quatrième cycle)
Emménage à Montpellier pour sauvegarder ses œuvres en métropole. Manque de place et d’argent. Repense son rapport à la peinture. Peint de plus petits formats.
Vernissage le mercredi 12 juillet à 18 h 30, en présence de l'artiste. Loiccasteluccio.wixsite.com
Exposition ouverte du mercredi au vendredi de 14 h à 19 h.
Le samedi de 10 h à 13 h et de 14 h à 18 h.
Fermeture les 1er et 11 novembre.
Le samedi 26 août à 17 h (entrée libre) >>>
Performance artistique « Te tere o te rahu'a » (« Le Voyage de l'artiste »), par Canaëlle Berthet, suivie à 17 h 30 d'une rencontre-discussion avec Canaëlle et Loïc Casteluccio
Tout au long de l'été, l'hôtel de ville de Mont-de-Marsan accueille une vingtaine d'œuvres du Centre d'art contemporain Raymond Farbos.
Plusieurs lithographies, peintures à l'huile et acryliques ou encore dessins à l'encre de chine vous attendent avec impatience dans les couloirs et la salle du Conseil, en accès libre, pendant les heures d'ouverture de la mairie [❤️]
Le festival international Arte flamenco rend cette année hommage à Pascal Bats, photoreporter du journal Sud-Ouest. Cette exposition sensible et très engagée au coeur de la manifestation flamenca explore essentiellement le festival Arte flamenco de 2013, auquel s’ajoutent des images fortes des années montoises du photographe.
Cinquante et une images pour exprimer cette ambiance singulière du baile, des guitares, du cante jondo. Tout au long de vingt éditions du festival, Pascal Bats a célébré l’art flamenco, l’oeil toujours aiguisé. Le coeur flamenco aussi.
Cette exposition offrira aux visiteurs tout un ensemble de souvenirs où affleurent les sonorités noires du duende, où bruissent les robes infinies, où jaillissent les univers gitans. Ceux-là, et tous les autres.
Du 26 juin au 1er juillet / Ouverture tous les jours de 10 h à 13 h et de 15 h à 19 h / Entrée libre et gratuite
Conférences et table ronde
► Mardi 27 juin de 15 h 30 à 16 h 30
« Picasso et le flamenco »
conférence de Rafael Inglada, animée par Serge Airoldi
► Mercredi 28 et vendredi 30 juin de 15 h 30 à 16 h 30
« Les origines du flamenco »
par Olivier Deck
► Jeudi 29 juin à 15 h 30
« La place du cante dans le panorama flamenco contemporain »
table ronde animée par Serge Airoldi avec José Valencia, Sandrine Rabassa, Claude Worms, Domingo Gonzalez
En savoir plus sur les conférences et la table ronde
Entrée libre et gratuite
Exposition Laura Freeth, Kévin Chrismann, Matthieu Sanchez
« Creuser »
22 mars–17 juin 2023
Le Centre d'art contemporain Raymond Farbos accueille l'exposition Creuser (expérimentations plastiques : installations, sculptures, écrits, images, sons, vidéos), présentée par les artistes plasticiens Laura Freeth et Kévin Chrismann, ainsi que par le réalisateur, artiste vidéaste et musicien Matthieu Sanchez.
Ceux-ci abordent de nombreux sujets, au fil de leur enquête sur une moissonneuse-batteuse qui aurait été enterrée dans le Gers dans les années 80 : notamment l'agriculture et les politiques agricoles (remembrement), la ruralité, la paysannerie, le paysage, les ressources naturelles, les pratiques d'enfouissement, l'archéologie contemporaine, la mémoire, la transmission… Ils explorent et questionnent la notion de territoire, et la manière d'habiter ce territoire.
Ces bricoleurs du quotidien partent à la recherche de la moissonneuse-batteuse, l'enquête chevauchant le pistage, alimentant le mythe, croisant les rencontres. Ils deviennent le réceptacle d'anecdotes, de regrets, d'espoirs, de diverses réalités de l'agriculture. À cette époque, marquée par de grands changements concernant la politique agricole, beaucoup de choses ont été enfouies sous terre. Ce geste interroge : sous terre pour conserver ? pour cacher ? Est-ce une sépulture ? La question de l'existence d'un objet que l'on ne voit pas est aussi posée. Invisible, un objet porte sa narration et son existence par le mythe qui l'entoure, par les humains qui vont en parler. Est-ce parce qu'il est sous terre qu'un vestige peut être objet de fantasmes ? Cacher, ne pas dire, les silences habitent les champs à perte de vue.
Le projet « Creuser » se trouve dans ce troublant entre-deux, dire et ne pas tout dire, montrer, ne pas montrer ou dissimuler. Cela passe par la sculpture, la mise en scène du vivant, le film documentaire, les mots.
Laura Freeth et Matthieu Sanchez sont diplômés de l'Institut supérieur des arts de Toulouse (DNSEP art obtenu avec mention en 2013 pour Laura, en 2012 pour Matthieu). Kévin Chrismann est diplômé de l'École supérieure d'art et de design des Pyrénées (DNSEP obtenu avec mention en 2021).
Laura pratique la sculpture, elle intervient souvent sur site : les lieux deviennent alors un intermédiaire entre elle, son œuvre et le public. Ses installations sont autant d'hommages à ces lieux, aux ouvrages, à la propension de l'humain à construire, à occuper son territoire. laurafreeth.com
Kévin pratique le vagabondage, à la recherche de lieux indécis, des endroits discrets et rares, souvent sans usages précis. Il construit des installations à l'équilibre fragile, des images statiques ou en mouvement. Instagram Kévin Chrismann
Dans sa création plastique, Matthieu tâtonne pour comprendre à quel endroit, à quel moment et dans quelles limites un objet peut « être ». Il produit depuis plusieurs années une série de travaux interrogeant l'existence d'une œuvre que l'on ne peut pas voir. matthieusanchez.com
L'exposition est le reflet des recherches plastiques menées à partir des histoires et des matières qui ont été glanées durant deux années d'investigation.
Les artistes proposent d'habiter le Centre d'art (qui avant cela était un entrepôt à grains) avec ces histoires. Ils proposent également de dialoguer avec certaines œuvres de sa collection permanente.
Vernissage en présence des artistes le mercredi 22 mars à 18 h 30
Du 8 au 22 mars et du 6 au 12 mai, les artistes sont en résidence au Centre d'art
Le vendredi 12 mai à 19 h : performance à la librairie Caractères de Mont-de-Marsan
Sud-Ouest Mont-de-Marsan 20.03.2023
Samedi 13 mai / 13 h 30 - 17 h 30
Pratiques abordées : linogravure et pointe sèche
Public : adolescents et adultes aimant dessiner, tous niveaux
Matériel fourni / Tarif par personne : 40 €
Exposition Yves Mollet, « Itinéraire »
1er–26 février 2023
En ouverture de sa programmation 2023, le Centre d'art contemporain Raymond Farbos accueille le peintre et dessinateur montois Yves Mollet.
Né en 1945, formé à l’École nationale supérieure des beaux-arts de Nancy et à l’École supérieure des arts décoratifs de Strasbourg, celui-ci se passionne tout particulièrement pour le dessin, la gravure et la peinture. Il se spécialise ensuite en architecture d’intérieur à l’École des beaux-arts de Rouen, dont il sort diplômé avec les félicitations du jury. Après une carrière d’une quarantaine d’années en tant qu’architecte d’intérieur et un long séjour dans plusieurs ateliers et académies de San Francisco, il revient à Mont-de-Marsan pour se consacrer totalement à sa passion.
L’exposition Itinéraire retrace son parcours créatif depuis une dizaine d’années.
Fort d’une solide formation classique, il travaille particulièrement le dessin de nu, son « solfège » pour la culture de l’émotion, du trait, de la lumière, du mouvement. La peinture à l'huile devient aboutissement par la composition et la couleur.
Puis il se détache progressivement de l’aspect réel de ce qu’il observe pour le traduire par son propre ressenti, cherchant au moyen de l’abstraction l’« Invisible », l’« Intérieur ».
Ainsi, nous pouvons voir les formes se remodeler, les couleurs éclater. Les sujets d’origine deviennent prétextes pour dire une vision nouvelle et personnelle. L’actualité alimente aussi sa réflexion et ce qu’il veut en traduire. Si le point de départ est connu, l’aboutissement de la toile est toujours incertain, un monde les sépare. Comme des ricochets, l’expression rebondit. Elle se précise, s’aiguise, s’intensifie, toiles après toiles. Reprenant les thèmes traités précédemment, l’artiste pousse ses recherches plus loin encore vers d’autres regards.
C’est ce chemin, sensible et intime, parfois difficile mais toujours jubilatoire, qu’il souhaite présenter et partager aujourd’hui. Son oeuvre est une ode permanente à l’émotion indicible, au ressenti, à la poésie. Elle ne provoque pas, elle propose. Chacun y trouve ce qu’il veut y trouver. Du monologue de la création naît alors le dialogue.